Jours tranquilles à Paris

Les sites de Mark Arbeit, George Holz et Just Loomis.

Photos du vernissage hier soir.

« Manifestez-vous ! » est un défilé artistique autour du thème de la « manif ’» coordonné par les artistes Didier Fiuza Faustino et Guillaume Viaud, Jean Faucheur et Sandra Moens, Guillaumit, Florent Lamouroux, Benjamin Sabatier et Pierre Vanni. À l’initiative du Centre Pompidou, il est conçu par les Nouveaux Ambassadeurs, âgés de 13 à 16 ans, dont les actions artistiques dans les MJC et Centres socioculturels participants sont coordonnées par des artistes. Grand rassemblement pour le final au Centre Pompidou suivi d'un workshop proposé par Guillaumit, illustrateur, et d’un concert live audiovisuel de Gangpol & Mit, accompagné de rafraîchissements.

Départ du CENTQUATRE, arrivée au Centre Pompidou / samedi 12 juin, dès 15h

Photo façon polaroid. Photo : J.Snap

Exposition prospective, Dynasty présente sur près de 5 000 m² toute une nouvelle génération d’artistes, représentant la création émergente: 1 exposition, 2 lieux (Musée d'Art moderne de la Ville de Paris/ARC et Palais de Tokyo), 40 artistes, 80 propositions...
Du 11 juin au 5 septembre 2010. Selon une règle du jeu préétablie par Fabrice Hergott (directeur du MAM de la Ville de Paris), Marc-Olivier Wahler (directeur du Palais de Tokyo) et leurs équipes scientifiques, chaque artiste est invité à montrer deux œuvres en résonance : l’une au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris/ARC, l’autre au Palais de Tokyo, soulignant ainsi la complémentarité des deux institutions. Stéréo, symétrie, dialectique... A travers la multiplicité des techniques et des approches stylistiques, le projet vise à révéler l’énergie qui habite les artistes, mais aussi leurs interrogations, leurs ambiguïtés ou leurs paradoxes.Dynasty prend le pouls de la sensibilité artistique émergente en France, en marque les points de rencontres et de divergences et  participe à son rayonnement sur la scène artistique internationale. Il témoigne de l’essor artistique à Paris et en région, des écoles et des centres d’art, des Frac et des lieux alternatifs.
Liste des artistes exposés Gabriel Abrantes et Benjamin Crotty, Farah Atassi, Laetitia Badaut Haussmann, Gaëlle Boucand, Mohamed Bourouissa, Guillaume Bresson, Pierre-Laurent Cassière, Yushin Chang, Stéphanie Cherpin,Pauline Curnier-Jardin, Mélanie Delattre-Vogt, Alain Della Negra et Kaori Kinoshita, Daniel Dewar et Grégory Gicquel, Bertrand Dezoteux, Rebecca Digne, Antoine Dorotte, Julien Dubuisson, Vincent Ganivet,Fabien Giraud et Raphaël Siboni,Camille Henrot, Louise Hervé et Chloé Maillet,Armand Jalut,Laurent Le Deunff, Benoît Maire, Robin Meier, Théo Mercier, Nicolas Milhé, Benoit-Marie Moriceau, Jorge Pedro Nunez, Masahide Otani, Florian Pugnaire et David Raffini, Jean-Xavier Renaud, Raphaëlle Ricol, Bettina Samson, Alexandre Singh, Oscar Tuazon, Cyril Verde, Duncan Wylie, Chen Yang.
Dynasty s’inscrit dans la continuité d’un travail de prospection mené dès 1977 par l’ARC au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, notamment avec les Ateliers qui ont révélé de nombreux artistes, et par les Modules du Palais de Tokyo, consacrant deux expositions mensuelles à la jeune création depuis 2006.
Tarifs exceptionnels pour l'exposition Dynasty Plein tarif: 9€ Tarif réduit: 6€ (Association Art; Famille Nombreuse; Personnel Éducatif; Sénior) Demi tarif: 4,50€ (jeunes de 18 à 26 ans) Gratuit: Jeunes moins de 18 ans; Minima Sociaux; Demandeurs d'emplois; Handicapés; Bénéficiaires du minimum vieillesse; École d'Art; Professionnels en Art; Professionnels Ville de Paris; Partenariats du MAM; Partenariat du Palais de Tokyo Tarif Imagine R: 3€ (sur présentation de la carte de transport Imagine R) Tarif groupe Jeune: Forfait 45€ (Jeunes de 18 à 26 ans, à partir de 10 personnes) Tarif groupe Imagine R: forfait 30€ (Jeunes titulaires de la carte Imagine R, à partir de 10 personnes) Tarif groupe adultes: 6€ par personne (à partir de 10 personnes) Chèque culture: ils sont acceptés au Palais de Tokyo mais pas au Musée d'Art Moderne Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris 11, avenue du Président Wilson 75116 Paris Renseignements : 01 53 67 40 00 Bus : lignes 32, 42, 72, 80, 82 et 92 Métro : ligne 9 - Arrêts Alma-Marceau ou Iéna RER : ligne C - Arrêt Pont de l'Alma Station Vélib': 4 rue de Longchamp

Actuellement et jusqu’au 3 Juillet 2010

McDERMOTT & McGOUGH

What you MEAN TO ME

Galerie Jérôme de Noirmont

36-38 Avenue Matignon 75008 Paris

lundi-samedi : 11h -19h

communique de presse

FENETRE SUR LE TEMPS

Les créations du couple d’artistes américano-irlandais McDermott & McGough, qu’il s’agisse de leur œuvre photographique, peint ou sculpté, puisent leur force dans la puissance évocatrice de l’image. Vivant le passé comme une provocation existentielle, McDermott & McGough refusent de se laisser enfermer dans notre époque contemporaine ; leur démarche artistique est fondée sur le refus de souscrire à « la théorie biblique du temps », choisissant l’époque qui leur convient le mieux pour s’exprimer. Pour donner corps à ce voyage dans le temps, les artistes créent toujours leurs œuvres en utilisant des techniques de l’époque dans laquelle ils se projettent et en introduisant les détails décoratifs ou stylistiques s’y rapportant.

Après s’être concentrés ces dernières années sur leur œuvre peint, en focalisant sur l’Amérique des années 1950/60, McDermott & McGough reviennent aux sources de leur travail pour le faire évoluer vers l’image cinématographique. Leurs peintures récentes faisaient déjà référence aux images de films en les juxtaposant à des images de bandes dessinées ou de romans photo de l’époque par un découpage pictural de la toile en plusieurs cases.

Aujourd’hui, dans cette nouvelle exposition personnelle intitulée What You MEAN TO ME, les artistes nous dévoileront leur premier film, un court-métrage qui nous plonge dans l’atmosphère de crise du Manhattan des années 30, et leurs nouvelles œuvres sur papier, qui mixent réalisme et fiction, imagerie de film et dessin coloré.

Mean To Me, 1936 (Voir un extrait) met en scène la fin tragique d’une histoire d’amour dans le Manhattan des années 30, où une brillante courtisane découvre que son amant, aristocrate ruiné par la Dépression, veut épouser une héritière fortunée pour se remettre à flot… La femme faible et vulnérable devient femme forte en passant par des sentiments extrêmes, son personnage symbolisant une histoire sociale américaine où la femme idéalisée se conçoit belle, glamour, dotée d’une personnalité riche aux multiples facettes.

Influencé par le cinéma d’Alfred Hitchcock et de Fritz Lang, ce film noir et blanc de 13 minutes révèle le trouble émotionnel et la personnalité complexe des personnages principaux incarnés par le top model britannique Agyness Deyn et l’acteur américain Linus Roache, pour nous plonger dans une atmosphère mélodramatique caractéristique des films noirs, où l’histoire d’amour sert de prétexte à une chronique de la condition sociale.

Ce tout premier film, réalisé par les artistes en 2010, se nourrit ostensiblement de leur travail photographique comme des principes de l’expressionnisme qui ont tant marqué le film noir américain, avec une succession de plans aux cadrages serrés, une esthétique en clair/obscur et d’importantes ombres portées qui accentuent les psychologies alambiquées des personnages, l’expression dramatique des visages étant ici renforcée par des visions en contre-plongée.

Outre ce mimétisme technique, le film symbolise une nouvelle fois l’authenticité de la démarche atemporelle de McDermott & McGough par le choix des accessoires étudié jusqu’au moindre détail, pour refléter tant l’époque que l’état d’esprit ambivalent des protagonistes et la dramatisation de la scène: robes et habits vintage, colliers de perles et joaillerie ancienne, authentiques flacons de parfum, et l’incontournable téléphone en bakélite, clé du suspense.

Ce court-métrage a inspiré McDermott & McGough pour donner une nouvelle évolution à leur œuvre sur papier. Mêlant images tirées de scènes du film Mean To Me, 1936 à des aplats de couleur ou du dessin à la gouache, les œuvres exposées ici reprennent des portraits des acteurs et les intègrent au sein ou aux côtés de formes abstraites très construites, dont les couleurs vives et l’aspect souvent géométrique évoquent l’esthétique du Bauhaus ou du constructivisme. L’allusion à ces mouvements artistiques illustre symboliquement l’intérêt des artistes pour l’évolution technique replacé dans son contexte historique, soulignant ainsi son importance novatrice.

En combinant ainsi les techniques, les 2 artistes apportent un nouveau développement à leur création, conjuguant deux aspects essentiels de leur œuvre, entre photographie et dessin / peinture. Après avoir longtemps considéré séparément ces modes d’expression artistique, puis créé récemment des toiles où images de bandes dessinées se juxtaposaient à celles d’anciens films noir et blanc comme celles de l’exposition Please don’t stop loving me à la galerie en 2007, les artistes fusionnent aujourd’hui l’ensemble de ces mediums dans ces nouvelles œuvres, en leur donnant un aspect pictural inédit.

Aux côtés de ces toutes nouvelles œuvres, toujours dans le cadre de leur réflexion sur la temporalité et l’histoire sociale américaine, les artistes exposeront aussi la série de photographies créée en 2008 et intitulée Detroit, qui dépeint une certaine Amérique des années 1950.

Les images particulièrement colorées de cette série évoquent des thèmes liés à la répression sociale de cette Amérique puritaine d’après-guerre, dans l’ambiance « petit-bourgeois » des banlieues résidentielles de l’époque, très similaire à celle qu’ont connue les artistes dans leur enfance. Les sujets figurent à la fois l’innocence, l’ennui, l’isolement, comme les rêves d’évasion des jeunes d’alors au-delà du noyau familial et d’un environnement local trop routinier, rêves entretenus par la télévision, le téléphone, les magazines ou le cinéma. Ce sont autant de métaphores différentes sur cette période de reconstruction, vécue par les artistes comme celle d’une aliénation, d’une mise à l’épreuve et d’une déconnection avec la norme hétéro.

Pour « encapsuler » l’atmosphère pré-Pop de cette Amérique des années 50, McDermott & McGough ont utilisé pour la première fois un procédé photographique historique, le tirage Carbro 3 couleurs, conçu par le photographe américain Paul Outerbridge dans les années 30. Cette technique très subtile et pérenne, d’une grande complexité technique, permet d’obtenir un éclat, une profondeur et une intensité chromatiques inouïs, d’une qualité telle que Outerbridge fut harcelé par les publicitaires de l’époque !

Une nouvelle fois avec cette exposition What You MEAN TO ME, McDermott & McGough nous embarquent dans un voyage initiatique qui mixe repères contemporains et historiques, nous invitant à une réflexion sur les codes d’une société en mutation constante.